PoetryWalls-NUS FASS Singapore Literary Conference: 浅谈华语剧场的契机与转机

我是一个剧场工作者。

这些年来，我比较活跃于华语剧场。当我还在南大中文系念书时，我的老师柯思仁教授开了一堂“华文剧场和表演”课。结果我和一群朋友们就开始频频进剧场看戏，开始留意剧场动态，甚至参与专业剧场项目。那时候我们一班人还一起在中文系里头成立“茶霓思剧团”，我们自编自导自演，在各种系上活动表演。

当年因为对剧场好奇，所以有一次学校假期，朋友问我：“假期3个月，要不要趁机找个剧团做义务工作呢？”结果问过柯思仁老师的建议后，我们就到本地剧团“戏剧盒”实习3个月。那一年恰巧戏剧盒的副艺术总监许慧铃在招募年轻人，组织戏剧盒的青年支部“艺树人”（ARTivate）。所以我们后来去面试，竟然也顺利成为第一届艺树人成员。

我们在那里待了3年，不断地学习，一直到大学毕业。戏剧盒是我认识的第一个本地剧团，后来我认识了剧场生态里头的各个剧团，或多或少、或深或浅地与他们有所接触，慢慢的越来越了解本地剧场生态。这个生态很妙，每一个剧团的理念都不一样，每一个剧场工作者的创作观、美学观、对剧场的理念和态度都不一样，但是他们之间的关系又起到互相影响，甚至组成一种生态网，构成了今天本地华语剧场的生态面貌。

我将会从本地剧团谈起，但是我没有办法代表各个剧团；也因为自己的认识毕竟有限，所以我会特别着重去谈我比较熟悉的几个剧团，描绘剧团的作品，希望能够以一般窥全豹。

培育观众

近20余年来，除了10年前成立的猴纸剧坊，和5年前成立的九年剧场，本地华语剧场其实没有出现任何新的华语剧团，或华语剧组。

华语剧场面对一些列的问题：语言的单一化意味着什么样的文化景观？当华语剧场的观众、编剧、演员、导演越来越少，它的当代意义又是什么？华语剧场在未来可以有什么样的走向？

在那么多的问题面前，让我们先从最年轻的华语剧团谈起—— 九年剧场。

九年剧场为本地观众呈现的是“经典戏剧的重构及原创演出的制作”。九年剧场呈现的经典剧，每一场戏一定配上英语字幕，方便不谙华语的观众。而每一场戏之后，剧场外头都会有“饮谈会”，让观众一边喝茶，一边和演员们和艺术总监一起分享看戏心得。刚创团时，九年剧场会办“知识分享平台”，以座谈会的方式，和观众分享剧场知识。

这都是剧团培育观众的方法。九年剧团坚信：观众不该只是消费艺术，也应该有讨论艺术的机会。

这种交流除了让观众能够更加了解戏剧工作者，也让戏剧工作者有机会更加了解观众，明白他们怎么思考、他们关心什么…… 从交流中，我们可以听到他们的疑问，甚至是意见、想法。例如在《伪君子》的演后交流会上，就有观众问关于舞台上那几道大门的摆法。这很有趣，因为观众不是在问导演的创作意图，而是有机地在和导演讨论舞台美学设计了！

不少剧团都知道演后交流会的可贵。我想起实践剧场在2013年呈现的实验剧《行者悟空：七个关于理想生活的日常片段》。在演后交流会上，有学生观众坦言自己看不懂众角色为什么要在台上重复一样的行动。学生们和创作者们交流后，有一名学生就发表感言：“如果我们每天都周而复始地重复同样的事，那么人生还有什么意义？”

这句话一说出来，大家都很感动，因为这是连创作者都未曾想过的诠释角度。这部戏，真真正正地交到观众手中了。

剧场真的是创作者和观众共同创作的。我一直认为，一个好的戏剧体验必定能让观众在戏剧结束后的几天、几个月、甚至几年里，都能够不断地以自己的生命体验去印证那部戏、去感受那部戏、去和那部戏对话。九年剧场呈现《红色的天空》，很多观众看了，和导演分享：看戏后突然很想念自己的爸爸妈妈／祖父祖母。导演说，每一部戏都是一颗种子，它可能几年后会突然发芽，你可能看了《红色的天空》过后，几年后身为人父，突然想起当年看过一部这样的戏，也就会突然有不一样的体会。

本地剧团实践剧场和TOY肥料厂这几年来都在积极尝试华语音乐剧。由实践剧场呈现的《天冷就回来》，在2007年首演后，深受大家喜爱，在2009年和2014年有了重演的机会，仍然缔造了场场满座的佳绩。随后实践剧场呈现《老九：音乐剧》、《聊斋》，不断地摸索、提炼、尝试华语音乐剧的各种可能性。

TOY肥料厂这几年来在音乐剧的制作也交出了成绩：《唯一》、《唯二》、《搭错车》、《881》、《雨季》等。他们不断尝试跨领域的合作：《雨季》是新加坡音乐人梁文福和剧场人的跨界合作；《搭错车》改编自1983年的同名台湾电影，邀请歌手丁当和新加坡演员同台演绎；《唯一》是原创华语音乐剧，由年轻编剧执笔，汇集本地年轻歌手演出。

本地偶剧团也朝不同的艺术道路进行不一般的创作。猴纸剧坊创作儿童偶戏，旨在把儿童戏剧提升到专业水平。十指帮融合了传统与现代偶戏，也在剧场形式上进行新颖有趣的创新和创建。今年，十指帮把其代表性作品《根》带到台湾淡水云门剧场演出。事实上，十指帮这几年来不断与国外各地的剧团合作：或是一起创作新的作品带回本地，或是让外国观众观赏本地剧。十指帮的努力是有目共睹的。

挑战观众看戏习惯—— 改变空间

这里我想提我之前提到的剧团，戏剧盒。

戏剧盒20余年来以社区关怀的社区剧场形式，和观众探讨社会议题。2010年，戏剧盒副艺术总监许慧铃开始设想一种“移动剧场”。这个设想终于在2014年落实，成为新加坡第一个移动剧场：“弹珠移动聚场” （GoLi –The Moving Theatre）。

GoLi这样的移动剧场，把一般的公共空间，瞬间变成艺术文化区；不仅仅把剧场带到民众门前，还让观众有机会在GoLi参与艺术、讨论艺术、反思艺术。 GoLi近年来出现在新加坡的不同地方，给社群朋友们带来多样化的剧种和艺术体验。

今年三月，GoLi到鹿特丹参与国际社区艺术节（International Community Arts Festival，ICAF）。刚刚上个星期，GoLi结束了一系列在不同社区里头的巡回演出。那部戏叫做《一堂课》，我跟社群里的人解释的时候，都会说那是一出戏，但是没有演员的，参加的都是像你我这样的人。

《一堂课》为观众设定以下的情境 —— 一个老旧的组屋区面临发展。然而土地资源有限，为了新建地铁站，就必须拆除社区里的其中一项设施。观众都有机会参与决策过程，一起讨论什么设施应该拆除，什么应该保留。在经验丰富的引导者的引导下，我们看到参与者一起参与讨论，互相激辩，或是相互妥协。

观众和演员之间的界限几乎消失了，然而少了这个界限，剧场成为一个可以启迪民智，用来讨论艰难课题的安全空间。

培育年轻剧场工作者

我之前提过，我是戏剧盒的青年支部“艺树人”的第一届成员。当时“艺树人”的课程为期3年，第二届的“艺树人”为期2年。

艺树人成员都有机会参与专业剧团的运作，也让成员们有机会接受各种台前幕后的剧场训练：演员训练、编剧训练、甚至舞台监督管理、服装设计课程…… 等等。艺树人进行了两届，已经培育了一些年轻人投身华语剧场工作。他们以演员、舞台监督、跨媒体创作者等身分活跃于华语剧场。

除了艺树人，戏剧盒也有培养本地编剧的“白色空间之编剧系列”。通过公开征选，从投稿的作品中选择几名有潜质的新剧本创作，让编剧在接下来的一年里，在资深编剧的引导下继续提炼剧本。新剧本有公开导读的机会；有潜能的剧本也会有公开演出的机会。

十指帮设立学徒计划，通过长达两年的培训，培养对操偶有兴趣的年轻人。他们的“Watch This Space”编剧和导演系列，旨在培育新导演、新编剧、新创作。十指帮每年也开班授艺，和有兴趣的人们分享“木偶工作坊”，以及“演员工作坊”。

实践剧场2010年至2014年主办的“编剧实验室”，让新编剧上课、练习创作、呈现创作。2012年到2016年的期间，实践剧场设立了“演员实验室”，由本地导演刘晓义带领一群年轻演员们进行长期性的的演员训练。

而把演员训练推到更极端的，是九年剧场了。九年剧场的理念是：演员是观众与戏剧之间的桥梁。因为剧团特别重视演员素质，所以成立了“九年剧场演员组合”，组建一支“进行长期、定期并且系统化的训练和创作的演员团队”。

他们的训练主要以日本的“铃木演员训练法”（Suzuki Method of Actor Training）和美国的“观点”（Viewpoints）训练作为他们训练的核心系统；他们也长期进行语言和发音发声训练。我也是九年剧场演员组合旗下的演员之一，我们常年进行训练，因为导演认为“如果舞者需要天天训练，为什么演员不需要长期性的训练？”

更可贵的是，九年剧团也长期开放排练场空间，邀请各路演员们一起进行演员训练。本地几乎没有什么专业剧团为演员们提供这样长期性、定期性的训练平台，九年剧场于是为整个本地剧场生态填补了这样一个缺憾。

危机意识：华语剧场？新加坡剧场？

去年，新加坡6个华语剧团成立了一个联盟，名为“新华剧体”（新加坡华语剧场联盟），并举办了一次座谈会，题为：新加坡华语剧场，此刻。那六个华语剧团是：实践剧场、戏剧盒、十指帮、TOY肥料厂、猴纸剧坊、九年剧场。

这是近20多年来未曾见过的联盟。上一次的华语剧场联盟是80年代出现的华语戏剧团体联合会。1982年，剧联呈现《小白船》，至今已经35年了。

为什么要在“此刻”成立联盟？6个剧团都是耕耘已久的资深剧场人所办，他们的艺术造诣和艺术成就都是有目共睹，各个剧团也绝对可以独当一面。很显然的，成立联盟，源于一种危机感。

新加坡华语剧场正处在一个逐渐趋向单一语言（英语）的社会环境。这当中有长期以来的政策影响、有经济权力因素的影响、也有社会价值观的因素…… 等等。这些错综复杂的因素形成了现在的社会局面，也影响了现代华语剧场的面貌。

华语剧场面对着观众人数的下降，以及愈来愈少新剧本的窘境。如今在华语剧场活跃的资深剧场工作者都持有很强的双语能力；但对愈来愈多的年轻剧场人而言，他们的母语其实是英语而非华语。最近我刚刚看到实践剧场“小剧场节”的一个预告短片，导演郭践红和年轻编剧与演员合作呈现一出戏。在短片中，郭践红以流利的华语接受访问，两个年轻人则全程以英语接受访问。

好些年前，九年剧场的《人民公敌》演后交流会上，一名观众直率且认真地问道：“华语在新加坡是被‘鄙视’的语言，那么你们为什么还要做华语剧呢？”

他的遣词用字尽管言重了，但那个问题肯定不是空穴来风。九年剧场这几年做翻译剧，让观众也开始思考：为什么要翻译，为什么不直接用英语呈现？我记得当时谢燊杰一针见血地说：因为我们有能力啊。

大环境的趋势，使得华语剧场工作者必须不断审视自身的处境和身分认同。我们必须不断地自问：什么是新加坡剧场？什么是华语剧场？没有了华语剧场，我们还是“新加坡剧场”吗？

谢燊杰提出，如果新加坡的文化特色是多元文化，那么没有了华语戏剧、马来语戏剧、淡米尔语戏剧…… 如何构成“多元”文化呢？

我想起了十指帮的《根》。《根》的编导兼演员钟达成，就在华语、英语和粤语之间流畅转换自如，是这个时代的多语言剧场的体现。这样的自如，绝对不是一个演员或编剧在两个月的排练期间内就能掌握的。其中其实牵涉到演员本身的成长环境和时代、他对自身的身份认知、以及他对其语言和文化的情感依附。

我接触的许多年轻人对其母语、方言、乃至身边的语言文化都已经不太敏感。未来还能产生多少像《根》那么深刻的演出呢？我们当然不用刻意地在本地舞台上展示多语言多文化的特性。但是我们原本拥有的潜能和条件，如果在一个趋向单一标准语言的社会下渐渐消失，未免有些可惜。

未来可以有什么样的展望？我们能不能够想像华语剧场的样子？

今年，九年剧场在Centre42呈现了《两方各言》，是郭宝崑的经典独白《棺材太大洞太小》和《单日不可停车》，特别之处，在于两名演员是分别用潮州话和粤语演出。

当时，就引起了很大的讨论，大家开始希望有更多这样的方言演出，《两方各言》甚至被邀请到学校里为中学生们演出。到时会发生什么事？学生们看得懂吗？到时会有字幕喔。当时有很多观众说，他们听不懂，但是他们从演员的身体语言，竟然看懂了整出戏。是的，身体，也承载了文化及语言。

华语剧场可以提供什么有别于其他剧场的东西？方言其实也是华语的一部分，我们以后可不可以也有方言剧团？海南话剧团？福建话剧团？我们是否能够想像更多语言剧团的出现—— 菲律宾剧团？为什么不行？想像力是免费的，既然免费，那就多用些。

此刻的华语剧场，根植于历史，展望着未来。郭庆亮说，剧场根植于记忆，从记忆的沃土中摄取营养，发芽而长出想像力。我们不妨也从历史借鉴，运用想像力，为华语剧场的未来进行想像。我今天浅谈的是华语剧场近几年来的发展状态—— 新加坡华语剧场有百年历史，我没有涉略，但是希望我今天谈的一些剧场现象，可以让大家以一斑窥全豹，对新加坡华语剧场有一个大概的了解。

谢谢。

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